Derrière son titre particulièrement bateau, l’anglais Screamtime (1983) cachait le retour de Michael Armstrong aux affaires sérieuses, quelques treize années après le méritoire La Marque du Diable. Cette invitation aux hurlements est aussi, accessoirement, le dernier wagon accroché à la locomotive du film à sketchs made in Britain. Ou plutôt l’une des voitures situées juste derrière un certain Creepshow (1982), succès commercial qui donna, on le devine, des idées au père Armstrong.

Cela ne vous aura pas échappé mais depuis quelques années, le tout-puissant Disney est occupé à mettre sur le marché des versions « live » (les guillemets sont nécessaires pour des machins constitués en large partie d’effets en CGI) de ses dessins-animés les plus célèbres. Mais bien avant que les lions orphelins et les éléphants volants réinvestissent les écrans plats avec de nouvelles couleurs, la plutôt méconnue et pour ainsi dire évaporée du Net (ses sites et chaînes Youtube sont désormais effacées) Veronica Craven dépensait quelques 10 000 dollars (soit en-dessous de que dalle) pour le bien de Pocahauntus (2006), zéderie résolue à faire de la belle indienne de légende une véritable boogeywoman.

Elle est gentille, Sue Ann, affectueusement surnommée Ma (Octavia Spencer, La Forme de l’Eau) et si tendue à l’idée que les petits jeunes du coin se mangent un arbre à la sortie de leurs beuveries qu’elle les invite à venir festoyer dans sa cave. Attention cependant à ne pas lui manquer de respect, car le courroux de la big mamma sait se montrer à la hauteur de sa bonté de façade. N’attendez cependant pas trop de ses sautes d’humeur : c’est du Blumhouse, donc du tiédasse.

Si ce n’est à l’occasion des Plaga Zombies, nous ne nous étions pas encore véritablement penchés sur le cas de l’Argentine, contrée que l’on connaît plus pour son tango et son équipe de foot que pour sa capacité à nous coller une flippe d’enfer. Sangre de Virgines (dont vous aurez deviné la traduction : le sang des vierges) s’y essayait pourtant en 1967, période voyant le cinoche vampirique perdre peu à peu sa dorure. Un sous-genre mordant que le réalisateur local Emilio Vieyra (La Vengenza del Sexo) tente néanmoins de rehausser d’ardentes étreintes. Décidément, quels dragueurs ces Argentins.

A la base, Camp Fear (1991) était visiblement censé incarner beaucoup de choses. Tout d’abord la volonté de son distributeur de surfer sur la sortie de Cape Fear (alias Les Nerfs à Vif version De Niro, 1991 itou) en mettant sur le marché une cassette au blase similaire. Ensuite celle de donner une suite au sympathique slasher Cheerleader Camp (1988), même si les deux films ont autant en commun que Portés Disparus et Je vous trouve très beau. Enfin, on peut imaginer sans trop se tromper que le réalisateur Tom E. Keith espérait trouver en ce trek au grand air le souffle suffisant pour lancer sa carrière. Dans les trois cas, c’est raté, re-raté et re-re-raté.

« Un film apte à redorer un peu le blason d’un genre dont on vérifie chaque semaine l’état de déliquescence avancé », « Il y a longtemps qu’on n’avait vu film d’horreur aussi beau que The Witch », « L’impression d’assister à la renaissance du cinéma d’épouvante », « Robert Eggers signe ainsi l’un des films fantastiques les plus marquants de cette dernière décennie tant par ses partis pris formels que par son engagement politique. » Que n’a-t-on pas lu sur The Witch (2015), petit film indépendant de Robert Eggers défrayant la chronique à sa sortie et occasion d’une petite bagarre entre conquis et insoumis (de ceux-ci, on pu lire que notre mégère n’était « qu’un petit piège à geeks », « un film grandiloquent qui s’étire », « un film d’une lenteur accablante » ou encore que « le cinéma d’horreur est mort avec ce film ! »). En somme, à The Witch, on dit « oui » ou « non » mais jamais « peut-être ». Par chez nous, disons qu’on ne dit ni oui ni non.

Si l’affiche de Blood and Lace exagère volontiers l’aspect belliciste de ce brûlot des 70’s, elle ne manque pas de souligner que ce pur produit de son époque n’a rien d’un après-midi trampoline, les seuls rebonds qu’on y trouve étant ceux d’un marteau sur les crânes d’un couple assoupi. Merci du réveil. Et de rien pour la grande orpheline de dix huit bougies que le carnage laisse derrière lui, la malheureuse se retrouvant vouée à voir ses belles années filer dans une pension pour adolescents tenue par une directrice meurtrière. Décidément, quand ça veut pas, ça veut pas.

« C’est dans les vieux pots qu’on blablabla… » Cette vieille ritournelle, l’estimable et regretté Don Dohler semblait y croire dur comme fer, lui qui passa la majeure partie de sa carrière à conter encore et encore la même histoire d’invasion de petits hommes verts haineux. Pas de raison que la donne change lors de son come-back au début des années 2000, après une petite décennie d’inactivité, et c’est cette fois son plus terre-à-terre (toutes proportions gardées) Blood Massacre (débuté en 87, sorti en 91) qu’il réforme sous le titre Harvesters (2001).

Evil Judgment, petite Série B en provenance du Canada façonnée en 1981 mais ne trouvant le chemin des vidéoclubs qu’en 84, nous permet de remettre de l’ordre dans nos calculs et confirme quelques méchants soupçons que nous traînions depuis quelques années concernant les gialli. A savoir que la somme d’un tueur mi-pervers mi-ganté et celle d’une malheureuse traquée aux souvenirs brumeux n’égale pas forcément la somme des deux autres côtés. Et qu’une fois que l’on retire de l’équation des artisans chevronnés comme Sergio Martino, Lucio Fulci ou bien sûr Dario Argento, le genre perd son mur porteur et s’effondre de lui-même pour ressembler à un vilain épisode de série télé policière pour grand-mère. Soit la définition quasi-exacte du faux slasher Evil Judgment, qui sent finalement moins le burger au bacon que l’osso-bucco à la milanaise.

Peut-être trop habitués que nous sommes à lever le nez vers les étoiles dans l’espoir d’y trouver des OVNI tournoyants, nous n’avions plus pensé à aller chercher notre poids en petits hommes verts dans les fonds marins. Heureusement que Destination Inner Space (1966) est là pour se charger de nous pousser dans la pataugeoire.